Das Designkonzept des Visual Arts Building der University of Iowa, USA, konzentriert sich auf phänomenologische Erfahrung, die künstlerische Nutzung von natürlichem Licht und die Schaffung interdisziplinärer Gemeinschaftsräume. Unter der Leitung des international renommierten Architekten Steven Holl und seines Büros integriert das Gebäude Materialinnovation und nachhaltige Technologien, um künstlerisches Schaffen zu schaffen, das sowohl funktional als auch spirituell ist. Nachfolgend wird die Designphilosophie anhand von vier Dimensionen analysiert:
1. Räumliche Wahrnehmung aus phänomenologischer Perspektive
Holl ist stark von der phänomenologischen Theorie des Philosophen Maurice Merleau-Ponty beeinflusst und betont, dass Architektur durch Raum und Materialien die körperlichen Erfahrungen der Menschen hervorrufen sollte. Das Gebäude weist eine vertikal poröse Struktur auf, die natürliches Licht durch sieben geschossübergreifende „Lichtzentren“ tief in das Gebäude einführt und so eine dynamische Abfolge von Licht und Schatten erzeugt. So lässt beispielsweise die gebogene Glasvorhangfassade des zentralen Atriums in Kombination mit der Wendeltreppe im Laufe der Zeit fließende Schatten auf Wände und Böden fallen, die einer „Lichtskulptur“ ähneln und es dem Betrachter ermöglichen, die physische Präsenz von natürlichem Licht während der Bewegung intuitiv wahrzunehmen.
Holl entwarf die Fassade des Gebäudes als „atmende Haut“: Die Südfassade ist mit perforierten Edelstahlplatten verkleidet, die tagsüber die Fenster verbergen und das Sonnenlicht durch die Löcher filtern. Dadurch entsteht ein abstraktes Licht- und Schattenspiel, das an ein „verschwommenes Gemälde von Mark Rothko“ erinnert. Nachts dringt Innenlicht durch die Platten, und die Löcher verwandeln sich in leuchtende Rechtecke unterschiedlicher Größe, wodurch das Gebäude zu einem „Leuchtturm des Lichts“ in der Stadt wird. Dieser wechselnde visuelle Tag-Nacht-Effekt verwandelt das Gebäude in einen Behälter aus Zeit und Natur und stärkt die emotionale Verbindung zwischen Mensch und Raum.
2. Künstlerische Manipulation des natürlichen Lichts
Holl betrachtet natürliches Licht als „das wichtigste künstlerische Medium“. Das Gebäude erreicht eine präzise Lichtsteuerung durch Fenster, die nach der Fibonacci-Folge proportioniert sind, gekrümmteU-ProfilglasVorhangfassaden und Oberlichtsysteme:
Balance zwischen direktem Tageslicht und diffuser Reflexion: In den Studios wird hochdurchlässiges U-Profilglas mit mattierter Innenbehandlung verwendet, das ausreichend natürliches Licht für künstlerisches Schaffen gewährleistet und gleichzeitig Blendung vermeidet.
Dynamisches Licht- und Schattentheater: Die doppelschichtige Außenhaut aus perforierten Edelstahlplatten und äußeren Zinkplatten weist Löcher auf, deren Größe und Anordnung durch eine Algorithmusoptimierung bestimmt wurden. Dadurch kann das Sonnenlicht geometrische Muster auf den Boden im Innenbereich werfen, die sich je nach Jahreszeit und Moment verändern und den Künstlern eine „lebendige Inspirationsquelle“ bieten.
Umgekehrtes Nachtszenario: Bei Einbruch der Dunkelheit dringt das Innenlicht des Gebäudes durch die perforierten Paneele undU-Profilglasumgekehrt und bildet so eine „leuchtende Kunstinstallation“, die einen dramatischen Kontrast zum zurückhaltenden Erscheinungsbild am Tag bildet.
Dieses raffinierte Lichtdesign verwandelt das Gebäude in ein Labor für natürliches Licht, das den hohen Anforderungen künstlerischer Schöpfung an die Lichtqualität gerecht wird und gleichzeitig natürliches Licht in einen zentralen Ausdruck architektonischer Ästhetik verwandelt.
3. Räumliches Netzwerk für interdisziplinäre Zusammenarbeit
Mit dem Ziel der vertikalen Mobilität und des sozialen Zusammenhalts durchbricht das Gebäude die physischen Barrieren traditioneller Kunstabteilungen:
Offene Stockwerke und visuelle Transparenz: Die vierstöckigen Studios sind radial um das zentrale Atrium angeordnet, mit Glastrennwänden an den Rändern der Stockwerke, wodurch die verschiedenen disziplinären Kreationsszenen (wie Töpfern an der Töpferscheibe, Metallschmieden und digitale Modellierung) füreinander sichtbar sind und bereichsübergreifende Inspirationskollisionen angeregt werden.
Gestaltung des sozialen Mittelpunkts: Die Wendeltreppe wird zu einem „Stoppraum“ mit 60 Zentimeter breiten Stufen erweitert, der sowohl der Fortbewegung als auch temporären Gesprächsfunktionen dient; die Dachterrasse und der Arbeitsbereich im Freien sind durch Rampen verbunden, um die informelle Kommunikation zu fördern.
Integration der Kunstproduktionskette: Von der Gießerei im Erdgeschoss bis zur Galerie im obersten Stockwerk organisiert das Gebäude Räume entlang des Flusses „Kreation-Ausstellung-Ausbildung“, sodass die Studenten ihre Werke direkt von den Ateliers in die Ausstellungsbereiche transportieren können, wodurch ein geschlossenes Kunst-Ökosystem entsteht.
Dieses Designkonzept spiegelt den Trend der „grenzüberschreitenden Integration“ in der zeitgenössischen Kunst wider und wird dafür gelobt, dass es „die Kunstausbildung von isolierten disziplinären Inseln in ein vernetztes Wissensnetzwerk verwandelt“.